domingo, 9 de diciembre de 2012
Gregory Crewdson
Gregory Crewdson (nacido el 26 de septiembre de 1962) es un fotógrafo estadounidense famoso por sus imágenes surrealistas y de elaborada escenificación que muestran hogares y vecindarios norteamericanos.
Durante su adolescencia formó parte de una banda de punk rock llamada The Speedies, que gozó de popularidad en toda la ciudad. Su canción de más éxito, "Let Me Take Your Photo" ("Deja que te haga una foto"), resultó ser profética respecto a la futura profesión de Crewdson. En el año 2005, la compañía Hewlett Packard utilizó esta canción para promocionar sus cámaras digitales.
A mediados de 1980 estudió fotografía en la Universidad del Estado de Nueva York. Obtuvo un master en Bellas Artes en la Universidad de Yale y fue profesor en Sarah Lawrence, Cooper Union, Vassar College y en la Universidad de Yale, hasta 1993.
En palabras del propio Crewdson, dice haber estado siempre fascinado por la condición poética del crepúsculo y su poder de convertir lo ordinario en algo mágico y sobrenatural, algo que se evidencia en todas y cada una de sus fotografías, que se caracterizan por esas luces frías tan propias del anochecer combinadas con la luz artificial de vehículos, farolas, viviendas… y añadiendo toda clase de elementos recreados como la niebla o la lluvia.
Sus obras muestran escenas ficticias que diseña concienzudamente y con todo lujo de detalles para construir visualmente la sensación que está en su cabeza, lo que él llama momentos congelados, habitualmente inquietantes y que nos recuerdan a las películas clásicas de terror, gracias a una estética profundamente cinematográfica: paisajes urbanos desolados, calles vacías misteriosas, personas que deambulan por calles mojadas, algunas desesperadamente solitarias, mujeres desnudas que reflexionan cabizbajas, …
Philip Lorca DiCorcia
Es uno de los fotógrafos más singulares de las últimas décadas. La influencia de su trabajo se puede reconocer en algunos de los fotógrafos más jóvenes de la actualidad. Su obra trata de verdaderos momentos o instantes con el ánimo de ser mirado más adelante, con el paso del tiempo. El límite entre los conceptos y documentos gráficos en sus fotografías es tan delgado que seguro te encantará su trabajo
Heredero de la mirada documental de Robert Frank y Garry Winogrand, ha dado una vuelta de tuerca al realismo emocional de estos para construir fotografías cuidadosamente estudiadas y épicas en el sentido cinematográfico.
A su estilo se le ha llamado teatral porque permite la coexistencia del hecho y la ficción.
Dicen que diCorcia se concentra en lograr una docena de buenas fotos por año. Que le basta esa cantidad. Por eso estudia de manera casi neurótica la foto que tiene en mente antes de realizarla.
Su estilo ha renovado la foto callejera al combinar de forma muy selectiva la luz articial de focos o flashes estroboscópicos con la natural. Cada imagen podría ser el fotograma de una película.
Macro y micro fotografía
Macro y Micro fotografía
La fotografía macro o macrofotografía consiste en fotografiar un motivo a una distancia muy corta, más de lo que permite un objetivo normal, 50mm o 35-80, por sí mismo, llegando hasta una proporción de tamaño real (escala 1:1), es decir, el tamaño del motivo será el mismo en el original que en el negativo.
Macro
“Macro” significa grande. La Macrofotografía es por lo tanto una rama de la fotografía en la que el sujeto fotografiado resulta “grande” en la foto, igual de grande que en la vida real o más grande. Por ejemplo si el tamaño de una hormiga en la foto es igual o más grande que su tamaño en la vida real, ésa es una foto Macro.
Con la opción macro podemos realizar espectaculares fotografías a elementos de pequeños. No se trata de un retrato o un bodegón propiamente, pero debemos de aplicar a los mismos los conceptos básicos. Es recomendable conseguir unas profundidades de campo cortas para destacar aún más los motivos.
En muchas ocasiones, nos encontramos con imágenes que parecen no tener sentido y acercándose a ellas nos muestran detalles realmente impresionantes. Observando atentamente la naturaleza, se descubren maravillosos detalles que a menudo pasan desapercibidos.
Para adentrarse en este mundo de lo pequeño existen mecanismos y soluciones con las cuales podemos obtener unos buenos resultados. En el fondo el funcionamiento de estos accesorios consiste en reducir la distancia mínima de enfoque.
Micro
Aunque la definición real de macrofotografía es aquella fotografía que realiza imágenes de mayor tamaño que el del original, hasta una ampliación de diez veces (x10), si superasen este nivel de ampliación ya estaríamos hablando de microfotografía, en cuyo caso normalmente deberíamos hacer uso de microscopio. Así pues, realmente deberíamos hablar de fotografía de acercamiento, aunque lo más habitual es denominarla macrofotografía, y así la llamaremos en el presente artículo.
Macro
“Macro” significa grande. La Macrofotografía es por lo tanto una rama de la fotografía en la que el sujeto fotografiado resulta “grande” en la foto, igual de grande que en la vida real o más grande. Por ejemplo si el tamaño de una hormiga en la foto es igual o más grande que su tamaño en la vida real, ésa es una foto Macro.Con la opción macro podemos realizar espectaculares fotografías a elementos de pequeños. No se trata de un retrato o un bodegón propiamente, pero debemos de aplicar a los mismos los conceptos básicos. Es recomendable conseguir unas profundidades de campo cortas para destacar aún más los motivos.
En muchas ocasiones, nos encontramos con imágenes que parecen no tener sentido y acercándose a ellas nos muestran detalles realmente impresionantes. Observando atentamente la naturaleza, se descubren maravillosos detalles que a menudo pasan desapercibidos.
Para adentrarse en este mundo de lo pequeño existen mecanismos y soluciones con las cuales podemos obtener unos buenos resultados. En el fondo el funcionamiento de estos accesorios consiste en reducir la distancia mínima de enfoque.Micro
Aunque la definición real de macrofotografía es aquella fotografía que realiza imágenes de mayor tamaño que el del original, hasta una ampliación de diez veces (x10), si superasen este nivel de ampliación ya estaríamos hablando de microfotografía, en cuyo caso normalmente deberíamos hacer uso de microscopio. Así pues, realmente deberíamos hablar de fotografía de acercamiento, aunque lo más habitual es denominarla macrofotografía, y así la llamaremos en el presente artículo.
Bodegón
Según su definición Bodegón es aquella fotografía en la que son representadas
una serie de naturalezas inanimadas, alimentos o similares, generalmente
en planos cortos, con encuadres cerrados caracterizados por una iluminación
muy cuidada.
También se conoce como composiciones de objetos inanimados, que pueden ser
realizada con elementos naturales como conchas, flores, frutos, acompañadas con
objetos hechos por el hombre como pueden ser mesas, sillas, utencilios diversos,
joyas, telas, etc.
El bodegón es una de las disciplinas de la fotografía más intensa y agradecida en
nuestro mundo sin embargo también es de lo más exigente. Y todo esto sin ser
necesario salir de nuestro estudio o casa.
Obviamente, al hablar de bodegones lo primero que se nos viene a la mente es una
imagen de botellas o copas de vino, uvas, y demás utensilios relacionados con la típica
bodega. Sin embargo,en lo que respecta a la fotografía, vale aclarar que el concepto.
No obstante, es más que eso la disposición de los elementos en el bodegón, su composición, es el principal asunto que debemos de tener en cuenta. El bodegón es otro ejemplo de "momento ausente", donde el fotógrafo puede tomarse todo el tiempo que sea necesario para captar la toma.
En los bodegones podemos encontrarnos con dos situaciones, en la que seamos nosotros los que organicemos el bodegón, formando la composición del mismo, o el caso en el que la disposición de los elementos ya se encuentren formados, y el ese caso nos limitemos a tomar la fotografía.
Jean Paul Goude
Ha trabajado anteriormente como director de arte de la revista Esquire en Nueva York durante la década de 1970, y famosa coreografía del Desfile del Bicentenario de 1989 en París para conmemorar el 200 aniversario de la Revolución Francesa . Además, en las últimas tres décadas, ha creado conocidas campañas e ilustraciones para marcas como Perrier , Citroën , Kodak y Chanel . 
En 1964 llegó a director artístico de la revista Esquire en Nueva York, trabajo en el que estuvo durante diez años. Sus realizaciones en colores excéntricos al servicio de prestigiosas marcas como Perrier,Citröen, Chanel son difundidas por el mundo entero.
Mientras trabajaba en New York Magazine, pone en escena a Grace Jones, quien se convertirá más tarde en su modelo y en la madre de sus hijos.
En 1992 dirige los videos y fotos de la nueva campaña Chanel pour Coco, con la nueva modelo de la marca, Vanessa Paradis, balanceándose en una caja como una pequeña ave.
Más tarde, transformó a Carole Bouquet en Marilyn Monroe, para Chanel nº 5.
Desde 2001, es director artístico de las campañas publicitarias de las Galerías Lafayette, de las cuales dice: "He querido ir a contracorriente de todo aquello que se ve en este momento".Laetitia Casta es la modelo en este trabajo.
En 2005, ha publicado el libro Tout Goude acompañado de un dvd de 27 minutos.
viernes, 5 de octubre de 2012
Li Wei
Li Wei
Li Wei pertenece a la segunda generación de artistas que, a finales de la década de los noventa, trabajan el Arte de Acción en China.
Mediante la performance y fotografía se ha convertido en uno de los artistas de mayor proyección y reconocimiento internacional de China.
A pesar de lo que pueda parecer a primera vista, los retoques fotográficos en la obra de Li Wei son casi nulos; su trabajo está basado en la imaginación y el ilusionismo.
Es especialista en crear ilusiones de realidades peligrosas.
Muchos de sus trabajos han sido presentados en diferentes museos, como el Louisiana Museum de Dinamarca, el Museum of Fines Arts en Houston, Estados Unidos, el Palais de Tokio de Paris o en la exposición ZhùYì en el Museo Artium de Vitoria y en el Palau de la Virreina en Barcelona.
Anthony Goicolea
Anthony Goicolea
Anthony Goicolea (nacido en 1971) vive y trabaja en Brooklyn,EE.UU. y durante muchos años ha sido conocido internacionalmente por su poderosa y siniestra escena fotográfica y vídeo funciona tan bien como sus dibujos con capas complejas de Mylar.
En una serie de fotografías tomadas entre 1999 y 2002, etapas Goicolea escenas que representan a grupos de niños pre-púberes, las imágenes a menudo complejos montajes autorretrato del propio artista, la promulgación de las situaciones que exigen las normas sociales y tradiciones en cuestión.
Trabajo Goicolea se encuentran en colecciones públicas como el Museo Whitney de Arte Americano, el Museo Guggenheim de Arte y el Museo de Arte Moderno y el Museo de Arte de Brooklyn en Nueva York.
Ha realizado numerosas exposiciones en Europa y Asia, en particular en el Museo Groninger en los Países Bajos y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, España.
Sophie Calle
Sophie Calle
Artista francesa nacida en 1953. El principal objeto de su obra es la intimidad y de modo particular la suya propia, para ello utiliza gran diversidad de medios de registro como libros, fotografías, vídeos, películas o performances.
Se trata de una artista conceptual que después de viajar por buena parte del mundo regresó a París en 1979.
A finales de los años presenta su primera serie de fotografías, ella misma describió el proyecto Les dormeurs (Los durmientes). Invitó a 28 desconocidos a dormir en su cama durante una semana para fotografiarlos mientras dormían.
De 1980 es su proyecto Suite Vénitienne (Suite veneciana)
donde a partir de una fiesta celebrada en Venecia, se dedica
a perseguir sutilmente a un invitado, con el fin de tomar parte de su intimidad.
De ese mismo año también es su proyecto Detective, donde encarga a su madre que contrate a un detective para que le siga y realice un pormenorizado detalle de su vida diaria incluyendo un soporte gráfico, de esta forma posee la información recibida del detective y la información que ella había recogido en su diario personal, así las compara
El desconocido al darse cuenta de cómo Sophie lo seguía volteo y esta fue la última fotografía del trabajo.
En 1986, la serie Les aveugles (Los ciegos). En ella recoge los testimonios de varias personas ciegas de nacimiento conforme a lo que ellos creen que es la belleza.
Cada una de las piezas (un total de 23) está integrada por una foto-retrato de la persona, junto a otro cuadro con su testimonio escrito, y debajo de todo ello una fotografía de aquello que la persona ha nombrado como su impresión subjetiva de la belleza.
David Corona
Fotógrafo, pintor y director del Museo de Arte Raúl Anguianoe
Arte
David Corona Originario de la Ciudad de México, estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Ha expuesto su pintura en la Academia de San Carlos y La Galería Luis Nishisawa, entre otros, y su fotografía en varias ciudades del país y en lugares como Montreal, Rennes y París.
a Proyectos Multimedia, Centro Nacional
de las Artes, México DF
1998 New Media
Technologies,
implementation & Managemment, Universidad de Toronto
2004-2005
Programa Integral
FotoGuanajuato,
Guanajuato, Mex.
Fue seleccionado en el Festival Aella Foto-Latina à Paris, en WTC-ARTFEST 2006, en Fotoguanajuato-2005 y recibió las becas del Fondo Estatal del Edomex (1997) y de Jalisco (2004 y 2006) y el Apoyo a Proyectos Multimedia por CNA y la Universidad de Toronto.
Ha publicado en revistas como Ene-O, Tragaluz, Tierra Adentro y Luvina y Picnic.
Propone
la
representación de un mundo alterno que integra, por un lado, a la realidad
concreta, y por otro lado, las memorias del autor, inconscientes colectivos y
ficciones.
De su trabajo, Marea El
resultado de esta serie es una contraposición de elementos exteriores e interiores unidos
por conceptos filosóficos utilizados para ficcionalizar el
paisaje
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